Style Galant
Style Galant
El ideal predominante en música instrumental se encarnaba en un estilo descrito con el concepto de galant. Al igual que el concepto “buen gusto”, “style galant” es una expresión convencionalmente aceptada, que no esta definida de forma precisa, pero que encierra ciertas connotaciones. En general se utiliza para referirse a lo que era moderno, de actualidad, a la última moda, que se oponía a lo rancio y lo pasado de moda. El término fue acunado durante el reinado de Luis XIV, pero no se generalizó hasta más tarde, empleándose a menudo como sinónimo de “rococo”, vocablo procedente del estilo francés de decoración arquitectónica y de objetos muebles. El estilo asociado a Luis XIV era elaborado, recargado, adorado, solemne y, pese a la gran cantidad de ornamentación, simétrico. El estilo denominado Louis Quinze (o rococó) intenta ser ligero allí donde el estilo anterior era pesado; asimétrico, divertido o ingenioso en lugar de imponente. Es un estilo de fantasía, un estado mental que tiende a lo encantador
El style galant en música trataba de ser algo similar al estilo pintoresco de las artes aplicadas y la arquitectura. Su principal objetivo era atraer a un amplio público y por esa razón, la música debía ser sencilla y natural, tanto desde la perspectiva del oyente como del intérprete. La polifonía fue abandonada, hasta el extremo de que las partes acompañantes se subordinaron completamente a la línea melódica principal. Para romper los acordes, que armónicamente funcionaban como soportes fundamentales, se emplearon diversos procedimientos en su mayoría novedosos, que, a la larga, resultan duraderos, como el bajo “Alberti” en honor al compositor Domenico Alberti (c. 1710-c40), en cuyas obras para clavicémbalo la melodía se apoya en este tipo de acompañamientos, rítmicamente activos aunque completamente subordinados.
Alberti fue uno de los primeros en utilizar estas figuraciones, pero no el primero ni el único; pronto se convirtieron en un rasgo generalizado de la música de la época y pueden encontrarse en la obra de Mozart y de muchos compositores italianos de segunda fila. El diseño:
fue utilizado por 1.S. Bach en su Concerto italiano (1735) como un modernismo deliberado prueba de que Bach estaba familiarizado con las últimas tendencias de la música de la época. Hacia mediados de siglo esta figuración se usaba amplia e indiscriminadamente. El diseño:
también abunda en la música para cuerda y teclado. Se utiliza frecuentemente en dúos para instrumentos de cuerda, donde uno de ellos realiza una melodía y el otro un acompañamiento extremadamente liviano, aunque vivo. Las cuatro figuraciones son sólo un ejemplo de las múltiples posibilidades exploradas con gran éxito por los compositores del momento, como sustitutos de la textura polifónica.
Se abandonó el contrapunto imitativo, considerado como un procedimiento mecanicista casi artificial, cuyo uso reiterado (salvo en la Iglesia) denotaba una deplorable falta de gusto. En su lugar parte del efecto de tal contrapunto, la repetición del motivo principal de una melodía, se incorpora a una única línea melódica. El siguiente tema de Tomaso Albinoni que J. S. Bach utilizaría como sujeto de una de sus fugas, es un ejemplo excelente de un sutil movimiento melódico sinuoso y prolongado. Tras iniciarse la melodía, ésta describe un movimiento de amplio aliento. No define un metro sino un tempo, la frase está hecha de tal modo que el oyente no espera un consecuente concreto, simétrico o equilibrado, no define un esquema armónico por sí misma, sino que está abierta a varias posibilidades.
En cambio en la siguiente melodía de Stamitz, del andante de una sinfonía, muestra un tipo de melodía totalmente diferente. La melodía expresa claramente el metro, el tempo, la longitud de la frase y las relaciones entre los motivos, y además establece una armonía determinada.
